Del celular al cine: por qué éste es el mejor momento para empezar a filmar una película por celular - 18 Junio TALLER VIRTUAL para aprender a hacerlo y ganar 25 Millones con SmartFilms

Del celular al cine: por qué éste es el mejor momento para empezar a filmar una película por celular

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En Colombia, donde a lo largo de 2025, según cifras del MinTIC, se superaron los 92,5 millones de líneas móviles activas —una penetración superior al 170 % de la población—, el celular dejó de ser solo una pantalla de consumo y se consolidó como una herramienta real de creación audiovisual. El reto ya no es únicamente tecnológico; es narrativo, metodológico y creativo.

Hoy el país no solo tiene más teléfonos que habitantes, sino también una audiencia digital madura. Al cierre de 2025, cerca de 41,7 millones de personas usan internet, lo que equivale a una penetración cercana al 78 % de la población, y el 96,6 % accede a la red principalmente desde dispositivos inteligentes como smartphones.

En ese contexto, grabar una película con el celular dejó de ser una curiosidad para convertirse en una posibilidad concreta, siempre que se comprenda el oficio cinematográfico detrás de la herramienta.

Para Liz Ayala, docente de Animación y Postproducción Audiovisual de Areandina, sede Bogotá, el punto de partida sigue siendo el mismo de siempre: la idea. “El teléfono facilita grabar, pero no hace cine por sí solo. Sin una historia clara y sin decisiones narrativas conscientes, el resultado difícilmente funcionará”, advierte.

Por eso, enero juega a favor de quienes quieren empezar bien. Es un mes propicio para estructurar, observar y probar sin la presión inmediata de publicar. “Enero puede ser un laboratorio creativo. Si alguien arranca el año explorando y organizando su proyecto, puede llegar a febrero con una base sólida, aunque todavía no esté listo para rodarse”, explica Ayala.

En esta etapa inicial, el celular funciona como herramienta exploratoria: pruebas de cámara, ejercicios de encuadre, registros preliminares y ensayos de puesta en escena que ayudan a definir el lenguaje visual antes del rodaje formal.

¿Qué debe tener su celular para grabar sin frustrarse?

Uno de los errores más comunes es creer que solo los teléfonos de alta gama permiten resultados aceptables. En la práctica, lo esencial es cumplir con mínimos técnicos y, sobre todo, saber usarlos.

Para empezar, basta con que el móvil grabe en 1080p a 30 o 60 cuadros por segundo, tenga algún sistema de estabilización y cuente con suficiente espacio libre —idealmente 64 GB o más— para no interrumpir el proceso de grabación.

El sonido sigue siendo un punto crítico. Confiar únicamente en el micrófono interno suele afectar incluso proyectos bien grabados en imagen. “El audio es determinante en la percepción de calidad. Un micrófono externo sencillo puede marcar la diferencia entre un video amateur y uno con intención cinematográfica”, señala Ayala.

También es clave trabajar con aplicaciones que permitan control manual de exposición, enfoque, ISO y balance de blancos. Grabar todo en automático limita las decisiones estéticas y dificulta mantener coherencia visual. “El celular es solo la herramienta; lo que define el resultado es la capacidad del creador para tomar decisiones conscientes detrás de la cámara”, insiste la docente.

En un entorno donde el consumo audiovisual móvil sigue impulsando el mercado global, el teléfono también funciona como sala de edición portátil. Hoy es posible realizar cortes preliminares desde el propio dispositivo, evaluar el ritmo narrativo y detectar fallas antes de pasar a una versión final. “Para quien está aprendiendo, esa inmediatez es una ventaja enorme: grabar, editar, revisar y corregir hace parte del proceso formativo”, afirma.

Cómo organizarse para avanzar durante con un proyecto sólido

La diferencia entre un video que se queda en redes y un proyecto con proyección está en la planificación. Antes de grabar, es fundamental trabajar el guión, definir personajes y conflictos, y realizar un desglose técnico realista: locaciones disponibles, condiciones de luz natural y control del sonido.

El rodaje, incluso con celular, exige disciplina. El uso de trípode, micrófono externo y ajustes manuales permite obtener material consistente. Luego, una edición preliminar temprana ayuda a evaluar ritmo, coherencia y funcionamiento dramático. Ese primer corte, idealmente durante el primer trimestre del año, sirve como base para ajustes y decisiones de mejora.

Pensar desde el inicio en el formato de exhibición evita errores frecuentes. El 16:9 sigue siendo el estándar para propuestas con intención cinematográfica, festivales y YouTube; el 9:16 responde mejor a TikTok, Reels y Shorts; y el 1:1 puede funcionar en redes más estáticas. “El formato no es una decisión técnica aislada, sino parte del lenguaje con el que se cuenta la historia”, subraya Ayala.

La retroalimentación temprana completa el proceso. Compartir el proyecto con docentes, colegas o comunidades creativas permite corregir fallas antes de su circulación. “La democratización del acceso permite grabar y publicar, pero no garantiza calidad ni aceptación artística si no hay rigor detrás del proceso”, concluye.

Hacer una película desde el celular no asegura éxito inmediato ni un lugar automático en festivales, pero sí puede ser el primer paso para construir una voz propia.

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Ganadores de los Premios Óscar 2026: lista completa y presencia de talento diverso en la gala del cine mundial

Ganadores de los Premios Óscar 2026: lista completa y presencia de talento diverso en la gala del cine mundial

La industria cinematográfica celebró este domingo 15 de marzo la edición número 98 de los premios de la Academia, conocidos mundialmente como los Óscar. 

La ceremonia se llevó a cabo en el Dolby Theatre de Los Ángeles y reconoció a las mejores producciones cinematográficas estrenadas durante 2025. 98th Academy Awards

La gala fue conducida por el comediante y presentador Conan O’Brien y reunió a algunas de las principales figuras del cine internacional en una noche marcada por discursos emotivos, reconocimientos esperados y varias sorpresas en diferentes categorías.

La gran ganadora de la noche fue la película “One Battle After Another”, dirigida por Paul Thomas Anderson, que se llevó el premio a Mejor Película y terminó liderando la ceremonia con seis estatuillas.

Como es tradición, la Academia también dedicó un segmento especial “In Memoriam” para recordar a las figuras del cine que fallecieron durante el último año y reconocer su legado artístico.

Talento diverso y presencia LGBTIQ+ en los Óscar 2026

Andy Jurgensen celebró el Oscar a Mejor Montaje por "Una Batalla tras otra" con un beso a su pareja

La edición 2026 también volvió a evidenciar la creciente diversidad en la industria del cine. La actriz irlandesa Jessie Buckley obtuvo el premio a Mejor Actriz Principal por su interpretación de Agnes Shakespeare en Hamnet, una producción dirigida por la cineasta abiertamente bisexual Chloé Zhao, reconocida por su sensibilidad narrativa y su mirada contemporánea sobre la historia.

Por su parte, la película Sinners, escrita y dirigida por Ryan Coogler, fue una de las más comentadas de la temporada y logró varias estatuillas, incluyendo el Óscar a Mejor Guion Original, consolidándose como una de las producciones más influyentes del año.

En las categorías técnicas también hubo hitos relevantes: la directora de fotografía Autumn Durald Arkapaw hizo historia al convertirse en la primera mujer en ganar el Óscar a Mejor Fotografía, por su trabajo en Sinners, ampliando la presencia femenina en áreas tradicionalmente dominadas por hombres.

Además, dentro de las nominaciones de cortometraje destacó “A Friend of Dorothy”, cuyo título hace referencia histórica a la cultura queer y a la comunidad gay que utilizaba esa expresión como código de identificación durante décadas.

Ganadores principales de los Óscar 2026

Mejor película y actuaciones principales

Mejor película: One Battle After Another

Mejor actriz principal: Jessie Buckley por Hamnet

Mejor actor principal: Michael B. Jordan por Sinners

Actuaciones de reparto

Mejor actriz de reparto: Amy Madigan por Weapons

Mejor actor de reparto: Sean Penn por One Battle After Another

Dirección y guion

Mejor director: Paul Thomas Anderson por One Battle After Another

Mejor guion original: Ryan Coogler por Sinners

Mejor guion adaptado: Paul Thomas Anderson por One Battle After Another

Animación y categorías técnicas

Mejor película animada: KPop Demon Hunters

Mejor cortometraje animado: The Girl Who Cried Pearls

Mejores efectos visuales: Avatar: Fire and Ash

Mejor diseño de producción: Frankenstein

Mejor vestuario: Frankenstein

Mejor maquillaje y peinado: Frankenstein

Mejor casting: One Battle After Another

Otras categorías destacadas

Mejor cortometraje de acción real: All the Empty Rooms

Mejor documental: Mr. Nobody Against Putin

Mejor película internacional: Sentimental Value

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Con miedo pero sin dejar lo Queer y Fabuloso: La comunidad LGBTQ+ y el cine de terror

 

Con miedo pero sin dejar lo queer y fabuloso: la comunidad LGBTQ+ y el cine de terror

Por años, la comunidad LGBTQ+ se ha sentido muy atraída hacia el cine de terror, pero no por lo emocionante que algunas películas puedan llegar a ser, sino porque se sienten identificadxs con las tramas de los personajes, el contexto en el cual la historia se desarrolla, o incluso con los monstruos o los villanos.

Por Harold Sánchez *

Un reciente reportaje publicado por el portal web PinkNews, presentó las opiniones de personalidades queer amantes del terror, entre ellos la ganadora de RuPaul’s Drag Race, BibleGirl, y le actore Lachlan Watson, conocidx por Las nuevas aventuras de Sabrina y Chucky la serie. Lxs celebridades expresaron, entre otras cosas, que el terror era una buena forma de incluir historias queer en películas a principios y mediados del siglo XX, durante la implementación del Código Hays, que prohibía la representación de personajes o historias homosexuales en pantalla.

Uno de los ejemplos citados fue el film La hija de Drácula, de 1936, que incluye escenas sugerentes de homosexualidad. En aquellos años, aunque esto era prohibido, no era considerado inmoral si se representaba de una manera negativa, es decir, si era la villana la que tenía “ciertas tendencias hacia una pobre chica inocente”. El historiador gay, Victor Russo, citó a la condesa Zaleska (el personaje principal de la película) en su libro El Armario de Celuloide como un ejemplo de “la esencia de la homosexualidad como una debilidad depredadora”. 

Aunque claramente era una representación explícitamente negativa, Universal Pictures la utilizó con fines publicitarios al implicar la atracción del personaje principal hacia personas de su mismo sexo en la siguiente frase promocional: “Salven a las mujeres de Londres de la hija de Drácula”. 

Asimismo, la película Hellraiser, de 1987, es considerada ejemplo de “queer coding”. El director, Clive Barker, es abiertamente gay y amante de la cultura del cuero y lo kinky y tomó inspiración de ello para su película. En el año de estreno del film declaró, en una entrevista, respecto a la inclusión de sexo en sus obras: 

“Muchos de los monstruos que creamos en nuestra ficción tienen que ver con el apetito y con los miedos relacionados con el apetito: el apetito sexual, el apetito sensorial. Nos enseñan entonces que debe ser domado y reprimido. Y, sin embargo, permanece con nosotros como una posibilidad… 

Es precisamente esa ambigüedad la que constituye tanto el problema como la diversión. Quise plasmar eso en Hellraiser y quiero plasmarlo en mis libros. Quiero asegurarme de que la gente entienda que esta ambigüedad debe celebrarse, no reprimirse.”

Cuando vemos a las criaturas demoníacas en el film, notamos sus vestimentas de cuero inspiradas en la cultura leather y el sadomasoquismo, especialmente en Pinhead (el líder de estas criaturas) quien utiliza una falda de cuero con un corset, ambas prendas asociadas con lo queer y no binario. 

Por otra parte, Allie Tran, crítica de cine de terror, señaló que la comunidad LGBTQ+ se siente identificada con este género porque “ese tipo de películas atrae a personas que son diferentes o que sienten que no encajan, personas que no representan la norma de la sociedad”, y Lachlan Watson comenta que “el propósito del terror es impresionar, confundir y sorprender, lo cual le hace un lugar cómodo para personas que van por la vida impresionando, confundiendo y sorprendiendo.”

Más aún, varios escritores y directores del género son gays o han estado asociados con la comunidad LGBTQ+, por lo cual muchos de ellos se inspiran en sus propias experiencias para escribir las historias. En algunas ocasiones lo hacen explícitamente, como lo hizo Don Mancini en El hijo de Chucky (2004) al crear al hijo de Chucky como un muñeco de género fluido en una época donde no había mucha información respecto a este tema.

En otros casos el tema es introducido de manera más sutil y disfrazada, así es como muchos académicos aseguran, pues visualizan subtextos queer en películas como La novia de Frankenstein, en donde identifican una actitud muy “camp” en el personaje principal, Dr. Pretorius, así como también identifican que el rechazo de la Novia al Monstruo como pareja sexual “representa la incapacidad de la comunidad LGBTQ+ para ajustarse a las normas sociales presuntas.” Esta película fue dirigida por el director homosexual James Whale, y contó también con la actuación de dos actores homosexuales: Colin Clive y Ernest Thesiger (quien interpretó a Dr. Pretorius), por lo cual entonces sí había una fuerte presencia homosexual en la producción.

Muchos otros films del género terror han sido considerados como cargados de queer coding (caracterización queer) en sus historias y sus personajes. El hecho de que varios directores y escritores sean de la comunidad LGBTQ+ explica cómo han conseguido inspiración en sus propias historias de vida para crear o dirigir a sus personajes. La lista es larga. Esperamos en una próxima oportunidad indagar más profundamente en este tema tan rico e interesante. 

El terror, más que un género, ha sido un refugio para lo diferente, un espejo donde lo queer encuentra, incluso entre monstruos, su propia humanidad. Feliz Halloween y siempre sean ustedes mismxs, sean felices. 

Por Harold Sánchez 

Periodista, blogger bilingüe de cine y cultura pop.  

Twitter @haroldesv_  web wwww.haroldupdated.blogspot.com 

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Disney lanza el tráiler final de Zootopia 2 y confirma su fecha de estreno

Disney lanza el tráiler final de Zootopia 2 y confirma su fecha de estreno

Después de casi una década, Judy Hopps y Nick Wilde están de regreso. Disney lanzó el tráiler final de Zootopia 2, secuela de la exitosa cinta animada de 2016, que llegará a los cines de Colombia el próximo jueves 27 de noviembre de 2025, antes de su estreno global en Disney+ a comienzos de 2026.

El avance revela a nuevos personajes, incluida una comunidad de reptiles que vivía oculta y que pondrá en aprietos a nuestros policías favoritos. El gran villano de esta entrega será Gary De’Snake, una temible víbora de foseta que promete dar batalla.

El reparto suma nombres de peso como Andy Samberg, Macaulay Culkin y Brenda Song, mientras que detrás de cámaras repite el dúo ganador del Óscar Jared Bush y Byron Howard, creativos de confianza de Disney Animation.

Pero las sorpresas no se quedan ahí. Shakira regresa como Gazelle, la superestrella pop de Zootopia, e interpretará la nueva canción original Zoo, compuesta junto a Ed Sheeran y Blake Slatkin. El tema se lanzará el 10 de octubre, y será parte de la banda sonora producida por Michael Giacchino, disponible a partir del 21 de noviembre.

Con acción, música y personajes que ya son íconos, Zootopia 2 se perfila como uno de los estrenos más esperados del año, ideal para ver en familia, en pareja o con amigos. Y como siempre, Disney promete guiños a la diversidad y un mensaje de convivencia que conecta con nuestro Orgullo.

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Alice Oseman anuncia el final de Heartstopper: Volumen 6 llegará en julio de 2026 junto con la película “Heartstopper Forever”

 

Alice Oseman anuncia el final de Heartstopper: Volumen 6 llegará en julio de 2026 junto con la película “Heartstopper Forever”

Después de una larga espera, Alice Oseman finalmente confirmó la fecha de lanzamiento del sexto volumen de Heartstopper: llegará a librerías el 2 de julio de 2026. La noticia la dio a través de un video en Instagram, donde también compartió un adelanto de lo que se viene para Nick y Charlie.

En un comunicado, la autora adelantó: “En Heartstopper Volumen 6, todos en la escuela saben que Nick y Charlie estarán juntos para siempre. Pero Charlie está concentrado en su candidatura como delegado, mientras Nick, a punto de irse a la universidad, empieza a preguntarse quién será… sin Charlie”.

La saga creada por Oseman se ha convertido en un fenómeno editorial global, con ventas millonarias y presencia en prestigiosas listas de bestsellers como las de The Sunday Times y The New York Times.

El 2026 será un año decisivo para los fans: no solo marcará el cierre literario de la historia, sino también el estreno en cines de “Heartstopper Forever”, la película que dará conclusión a la trama que conquistó al público en la exitosa serie de Netflix.

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CINE: La Película documental "Alma del Desierto" que narra la historia de una mujer transgénero Wayuú y su lucha por la identidad se exhibe en la Cinemateca Distrital de Bogotá

CINE: Estreno de Película "Alma del Desierto"

Esta película es dirigida por Mónica Taboada Tapia y cuenta la historia de Georgina Epiayú la mujer trans wayuu que luchó 45 años para ser reconocida como mujer.

El documental ‘Alma del desierto’ narra la discriminación, la pobreza y el abandono de esta mujer de 72 años en su lucha por ser reconocida y acceder a sus derechos.

SINOPSIS

Georgina Epiayú busca con sus delgadas y curtidas manos en su bolso de tela. Remueve impacientemente el contenido hasta encontrar y mostrar su DNI —o cédula, como le llama ella— al entrevistador a través de la pantalla del celular. Señala la “F” que aparece debajo de la categoría “sexo” en el documento. Dice que conseguir esa letra en la identificación le costó 45 años de trámites e insistencia. Con unos ínfimos ingresos económicos y una soledad que la hace más vulnerable a su edad, Epiayú, de 72 años, la primera mujer wayuu registrada civilmente, siempre ha priorizado su objetivo de ser reconocida oficialmente como mujer. 

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Rompiendo Tabúes: Películas Colombianas que Visibilizan las Historias LGBTIQ+

 

Rompiendo Tabúes: Películas Colombianas que Visibilizan las Historias LGBTIQ+

El cine colombiano ha evolucionado significativamente, abriendo espacio para nuevas voces que abordan historias de amor, identidad, resistencia y aceptación desde perspectivas diversas. Dentro de esta transformación, una serie de películas han puesto en pantalla la experiencia LGBTIQ+, explorando temas como el amor en medio de la adversidad, los prejuicios sociales, el rechazo familiar, y la necesidad de aceptación en una sociedad mayormente conservadora. Estas producciones no solo destacan por sus historias poderosas, sino también por su capacidad de provocar reflexión, visibilizar realidades y cuestionar estereotipos. Aquí exploramos algunas de las películas más representativas que han abordado, en diferentes tonos y estilos, historias con contenido LGBTIQ+ en el cine colombiano.

Cine pionero en temas de sexualidades diversas

Películas como Pura sangre (1982) de Luis Ospina, Erotikón (1984) de Antonio Dorado, y La mansión de Araucaíma (1986) de Carlos Mayolo se consideran pioneras en Colombia al explorar, aunque de manera sutil, temas que hoy podríamos interpretar dentro del espectro de la diversidad sexual. Estas películas introdujeron personajes con una ambigüedad sexual notable en el contexto de su época, algo inusual para el cine colombiano del momento.

Historias de amor, duelo y aceptación

1. La luciérnaga (2015)

Dirigida por Ana María Hermida, esta película se centra en el poder transformador del amor y el duelo. Cuenta la historia de Lucía, quien, tras la muerte de su hermano, conoce a Mariana, su prometida, y a través de este encuentro, ambas mujeres forjan una conexión que desafía las normas sociales al convertirse en una historia de amor. Reconocida como la primera película colombiana de temática lésbica, La luciérnaga se destaca por su representación natural y respetuosa del amor entre dos mujeres en el contexto de una sociedad conservadora.

2. La virgen de los sicarios (2000)

Esta película de Barbet Schroeder adapta la novela homónima de Fernando Vallejo. A través de la historia de amor entre un escritor maduro y un joven sicario en las calles de Medellín, la película explora el amor homosexual en un contexto de violencia y miseria. Fue una producción polémica que abordó la relación amorosa entre dos hombres en una sociedad marcada por el narcotráfico y la violencia.

3. Cómo te llamas? (2019)

Bajo la dirección de Ruth Caudeli, esta historia sigue la relación de Eva y Candela, dos mujeres que se enamoran mientras persiguen un sueño compartido. La película explora el amor y sus transformaciones a lo largo del tiempo, capturando con sensibilidad la complejidad de las relaciones entre mujeres en una narrativa que muestra cómo las expectativas y deseos cambian en el transcurso de los años.

4. Mariposas verdes (2017)

Inspirada en hechos reales, la película de Gustavo Nieto Roa retrata la vida de Mateo, un joven que sufre acoso escolar debido a su orientación sexual. Esta historia visibiliza la homofobia y el bullying que enfrentan los jóvenes LGBTIQ+ en Colombia, generando conciencia sobre el impacto de los prejuicios en la vida de quienes no encajan en las normas heteronormativas.

Cine experimental y documental sobre experiencias LGBTIQ+

5. Anhell69 (2022)

Esta producción de Theo Montoya explora las noches de Medellín a través de un enfoque experimental que combina metacine y realidad. La película se adentra en el mundo de las minorías sexuales en un contexto de drogas y música electrónica, utilizando la historia de “espectrofílicos” como metáfora de las luchas que enfrenta la comunidad LGBTI en Colombia. Montoya construye un testimonio sobre la generación LGBTIQ+ en Medellín, marcada por el suicidio, la opresión y la violencia social.

6. Transfariana (2023)

Este documental dirigido por Joris Lachaise narra la historia de amor entre una mujer transgénero y un excomandante de las FARC, ambos prisioneros en Bogotá. Al mostrar cómo se enfrentan a los prejuicios y a la discriminación dentro de la cárcel, el documental visibiliza una realidad marginal en el contexto de los diálogos de paz en Colombia, destacando la convergencia entre la lucha trans y las dinámicas de poder de la guerrilla.

Películas que exploran la identidad y los conflictos personales

7. El hombre de la nevera (2019)

Miguel Ángel Mejía dirige esta película que explora temas de discriminación y prejuicio a través de un drama con tintes de misterio. La historia mezcla realidad y fantasía, abordando dilemas de identidad en una sociedad que juzga la diferencia.

8. Litigante (2019)

Dirigida por Franco Lolli, esta película presenta personajes LGBTIQ+ de manera incidental, como parte de una narrativa sobre la familia y la sociedad. La subtrama que muestra relaciones homosexuales ofrece un retrato contemporáneo de la sociedad colombiana en cuanto a temas familiares y de aceptación.

9. Un varón (2022)

Fabián Hernández examina las expectativas de género a través de la historia de Carlos, un joven que intenta encajar en una visión rígida de masculinidad. Este filme examina los conflictos internos y externos de un personaje que, al romper con las normas de género, busca autenticidad en un entorno adverso.

Cine latinoamericano con influencia colombiana

10. Contracorriente (2010)

Aunque no es una película completamente colombiana, Contracorriente de Javier Fuentes-León cuenta con la actuación de Manolo Cardona y fue premiada en Colombia en el Festival Internacional de Cine y Televisión de Cartagena de Indias, Colombia, 2010. 

Ambientada en un pueblo costero de Perú, narra el romance secreto entre Miguel, un joven pescador casado, y Santiago, un pintor abiertamente homosexual. Esta historia de amor prohibido y aceptación desafía las normas tradicionales, explorando los dilemas de un hombre que debe decidir entre el amor y las tradiciones que rigen su vida.

La importancia de estas representaciones en el cine colombiano

A través de estas producciones, el cine colombiano ha abierto una ventana a la diversidad y la inclusión, representando con profundidad las historias LGBTIQ+. Estas películas no solo visibilizan realidades, sino que contribuyen a sensibilizar al público y a cuestionar los estereotipos en una sociedad conservadora. Cada una de estas historias ayuda a que la audiencia vea reflejada la complejidad de las experiencias humanas, rompiendo tabúes y promoviendo un cambio de percepción hacia las comunidades LGBTIQ+. En definitiva, el cine colombiano se convierte en un espacio de resistencia y reflexión donde la diversidad encuentra voz y se enfrenta a los prejuicios, promoviendo una visión inclusiva de la realidad colombiana.

Por Redacción @OrgulloLGBT
www.orgullolgbt.co

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Hablemos sobre el beso de la discordia en la temporada 3 de Chucky

Hablemos sobre el beso de la discordia en la temporada 3 de Chucky

Chucky, el muñeco diabólico, regresó por más víctimas en una tercera temporada de su serie (Star+ para América Latina y Peacock en USA). En Orgullo LGBT le dimos un vistazo para aclarar el gran chisme que ha estado rondando en las redes sobre esta útima entrega de la saga.

Empecemos recordando que dos de sus personajes principales son gays y, dado que solo son tres protagonistas, entonces los gays son mayoría. Por lo tanto, ver besos entre chicos no debería ser sorpresa.

Pero en esta temporada, Jake y Devon (Zackary Arthur y Bjorgvin Arnarson) se dejan llevar por sus hormonas y llegan hasta tercera base en una escena que no muestra mucho y es más bien muy cursi (aunque ambos se se ven lindos en la cama). Por cierto, en estos últimos episodios la producción quiere que la audiencia se de cuenta del cambio físico extraordinario del actor Zackary Arthur mostrándonos su cuerpo sin camisa cuantas veces se pueda y, pues, honestamente, no hay nada malo en lo cursi o la sexualización de una persona pues los heteros han tenido en la televisión ambas toda la vida. Por lo tanto, los gays se las merecen también.

Por otro lado, hay una imagen circulando en las redes que ha perturbado a los homófobos.

En dicha imagen se ve a Devon besando a Chucky. Sin embargo, la misma es parte de una escena más grande y compleja, pero enemigos de la comunidad LGBT se han tomado el tiempo para comentar con odio en las diferentes redes sociales.

Dicha imagen (o, mejor dicho gif) fue parte de una estrategia publicitaria de Syfy, la compañía que produjo la serie, cuando lanzaron un teaser en su cuenta de X el 01/05/24. Este tipo de contenido obviamente despierta la curiosidad de los espectadores pero también escándalo entre los homofóbicos, quienes pidieron cancelar el show, eliminarlo e incluso hicieron comentarios racistas dado que uno de los actores es afroamericano.

No quisiéramos dar spoilers pero a veces son necesarios y esta ocasión lo amerita: Devon le daba respiración boca a boca a Jake para ayudarlo a regresar del otro mundo (es muy complejo de explicar lo que sucedía. Para eso sí deben ver la serie) mientras Charles Lee Ray, mejor conocido como Chucky, estaba entrando en su cuerpo. Por eso Jake podía (en espíritu) ver a su novio colocar sus labios en los de Chucky. Fin del comunicado.

Entonces, no es tan difícil imaginar que algo más podría estar sucediendo antes de lanzar odio a la publicación, a la serie y a los actores.

A todos los homofóbicos les decimos que los tiempos han cambiado y hoy en día se le da más visibilidad a comunidades por mucho tiempo marginadas. Lamentamos el pesar causado por ver personajes gays en el género del terror pero así será la televisión de ahora en adelante. Si tanto les molesta, les invitamos entonces a estudiar producción de televisión y crear las historias a su modo hetero patriarcal.

Por otro lado, la saga del muñeco asesino ha sido pro LGBT desde hace muchos años. Lo vimos por primera vez en la película de 2004, El hijo de Chucky. La tercera temporada de esta serie se apoya en otras leyendas del género y parece floja pero el final vuelve a enganchar, por lo tanto les recomendamos verla completa, así aclaran sus dudas sobre la imagen comentada en esta nota, pasarán un rato entretenido y verán que no se volverán gays al verla.

Por Harold Sánchez 

Periodista, blogger bilingüe de cine y cultura pop.  

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Hablemos de la película británica “Todos somos extraños”

 

Hablemos de “Todos somos extraños”

 

Recientemente se estrenó en Star+ la película británica “Todos somos extraños”, protagonizada por Andrew Scott y Paul Mescal y dirigida por Andrew Haigh (quien también dirigió “Looking: The Movie” y “Weekend”). Este film está basado en el libro “Strangers”, escrito por Taichi Yamada en 1987, siendo esta la segunda vez que se realiza una adaptación cinematográfica de el mismo (la primera fue hecha en Japón en 1988).

 

Todos somos extraños cuenta la historia de Adam, un escritor de edad mediana con una buena posición económica, que vive en un penthouse de un edificio nuevo con muchos apartamentos vacíos (A propósito de esto, en la película mencionan varias veces lo costoso que es vivir en Londres). Por otro lado, en el sexto piso, en un apartamento mucho más pequeño, vive un chico más o menos de la misma edad de Adam llamado Harry. Ellos no lo saben, pero sus mundos en realidad no son tan distintos y lo que más tienen en común es la soledad.

 

Ambos se conocen una tarde en la cual Harry llega hasta la puerta de Adam buscando compañía. Adam no le deja entrar en ese momento pero más adelante se permite conocerlo. Ambos son gays y pocos minutos después de presentarse y hablar un poco tienen sexo. La película no es muy erótica pero, justo después de que los chicos han acabado, Harry lame semen del pecho de Adam y le da un beso blanco. La escena hace la película no apta para homofóbicos, con lo cual el director y los escritores se aseguran de que solo vean la película quienes en realidad quieran entender la homosexualidad más allá de lo superficial. 

 

Conforme el film avanza, nos permite adentrarnos más en la vida de Adam. Nos enteramos que perdió a sus padres a los 12 años en un accidente automovilístico y que creció con su abuela paterna. Sus padres murieron antes de él comenzar la adolescencia y por eso siempre imagina conversaciones con ellos donde les cuenta sucesos de su día a día. Adam está escribiendo un nuevo guion para una película que le recuerda a ellos. Su nostalgia le hace ir hasta la casa donde creció y donde aún hay recuerdos de su infancia. En la mente de adam el lugar está aún tal cual como lo era cuando sus padres vivían. Su imaginación recrea lo que le hubiese gustado vivir con sus padres, por lo cual los vemos también a ellos en la escena.

 

Adam habla con estos seres imaginarios (por no decir fantasmas) sobre todo lo que no pudo contarles durante su adolescencia. Él siempre ha imaginado cómo hubiera sido contarle a sus papás sobre su homosexualidad y la manera en la cual ellos hubieran reaccionado y, pues, habla de eso con ellos. Cabe destacar que la reacción de estos padres fantasmas es lo que Adam imagina que hubiera pasado. Esto es algo con lo cual podría identificarse fácilmente cualquier chico gay dentro del armario que constantemente se atormenta con el pensamiento de cómo contarle a sus padres y qué pasará cuando se enteren. Es algo que nadie sabe hasta que el momento llega, pero mientras tanto la mente seguirá atormentándole.

 

Por otro lado Harry también lidia con sus propios problemas familiares. Él tiene aún a sus padres vivos y tuvo la oportunidad de hacer con ellos todo lo que Adam no pudo, especialmente contarles sobre su homosexualidad. Como resultado, no tiene una buena relación con su familia y pasa sus días en soledad, extrañándolos y ahogando sus penas en alcohol. Aquí está la representación de lo que sucede una vez la verdad sale a la luz: se aclaran dudas pero entonces vienen las consecuencias de la reacción, que en el caso de Harry son negativas. El escritor y director plasman perfectamente estas dos caras inherentes a la vida gay.

 

Adicional a estos dos protagonistas, se encuentran tambien Jamie Bell (famoso por protagonizar la exitosa película Billy Elliot del año 2000) y a la actriz británica Clare Floy, quienes interpretan a los padres de Adam en su imaginación.

 

El film hace sentir emociones en el tema familiar y en la importancia de tener compañía. No tanto una pareja, sino alguien con quien hablar. Trata con mucha sensibilidad estos sucesos que en la vida gay son muy común: soledad y el deseo de sentirse aceptados y amados por su familia.

 

La película nos muestra dos historias muy parecidas y a la vez tan diferentes. Dos personas solitarias por diversas razones pero cuya soledad tienen mucho en común. Aquí se pueden identificar muchas personas pues en la vida, aunque muchos no se conozcan, sus vidas tienen mucho parecido.  Es por eso su título: “Todos somos extraños”.

 

En este film, aunque se cuenten las historias de dos hombres gays, la reflexión final puede ser absorbida por un grupo más grande de la sociedad. Más que el tema de la soledad, también nos habla de salud mental y la necesidad de compañía, de conversar, contar los problemas y prestar atención a las emociones. Obviamente las personas gays, sobre todo quienes tienen problemas familiares relacionados a su sexualidad, se sienten más indentificadxs, pero los temas centrales son, al final, la soledad y la salud mental, los cuales afectan a la sociedad entera. 

 

La película ganó el Independent Film Award como a mejor película y tuvo varias nominaciones a los premios BAFTA por mejor película, mejor director, Mejor guion adaptado, mejor actriz de reparto para Claire Floy (en el papel de la madre de la madre de Adam), mejor actor de reparto para Paul Mescal y mejor dirección de casting. 

 

Está disponible para América Latina en la plataforma Star +.

Por Harold Sánchez 

Periodista, blogger bilingüe de cine y cultura pop.  

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